آموزشگاه آهنگسازی

اسپیکر ها را از لحاظ ساختار به دو گروه تقسیم می شوند : １) اولین گروه Air Suspension هستند که بدنه ای کاملا بسته دارند این گروه از اسپیکرها معمولا کوچک و هوایی که داخل آنها حبس می شود در تولید بهتر و با ظرافت فرکانسهای پایین کمک می کند. ساز و کار این هوا محبوس شده داخل اسپیکر مانند فنر است و به عنوان یک کنترل کننده مانع از حرکت بیش از حد اسپیکر در فرکانس های خیلی پایین و هم چنین نقش محافظتی در آسیب ندیدن اسپیکر دارد. ２) دومین گروه Bass Reflex هسنند که در بدنه ی آنها یک محفظه خروجی هوا وجود دارد. این محفظه میتواند در جلو یا عقب بدنه باشد در واقع باعث می شود که هوای داخل اسپیکر با خارج در ارتباط بماند. سایز این اسپیکرها معمولا بزرگتر است و تواناییشان در تولید فرکانسهای پایین بیشتر است. اینها نکات مختصری در مقایسه دو نوع کلی اسپیکر بود جهت کسب اطلاعات بیشتر با استودیو شباهنگ رکورد تماس حاصل فرمایید

3 گام اساسی در آهنگسازی برای ساخت یک آهنگ چیست؟ ساخت یک آهنگ خوب، زنده و جالب هدف هر موزیسین و آهنگسازی است. با این حال، قبل از اینکه شما نگران تولید یک آهنگ خوب باشید باید ابتدا اصول اولیه آهنگسازی را بدانید تا بتوانید اقدام به ساخت و نوشتن یک آهنگ جذاب و زیبا کنید. در این مطلب 3 گام اساسی در آهنگسازی را برای شما شرح می دهیم. یک روش ساده برای نگاه کردن به یک آهنگ این است که آن را همانند یک خانه تصور کنید. ظاهر هر خانه ای متفاوت است، اما تمام خانه ها سه بخش کلیدی دارند: پایه، ساختار و دیزاین داخلی. مانند یک خانه، هر آهنگی نیز این سه ویژگی اصلی را دارد. اگر میخواهید یک آهنگ بنویسید و نمی دانید از کجا باید شروع کنید، این قیاس ممکن است به شما کمک کند. هر یک از این سه بخش، قسمت های مناسبی برای شروع یک آهنگ هستند. همچنین بخوانید » بهترین اپلیکیشن های آهنگسازی آیفون و آیپد 1. نوشتن یک آهنگ: پایه اگر از مقیاس خانه برای آهنگسازی استفاده کنیم، می توانیم پایه و اساس خانه را با بیس لاین یا آکورد اصلی آهنگ مقایسه کنیم. نوت پایه و یا آکورد در اصل ریشه یک آهنگ هستند، همانطور که پایه و اساس یک ساختمان ریشه آن است. شروع با بخش بیس آهنگ یک راه عالی برای ایجاد مود و احساس برای آهنگ است. اگر ریتم قوی باشد، شانس خوبی وجود دارد تا بقیه آهنگ نیز جالب شود. برای ایده گرفتن می توانید به آهنگ های مورد علاقه تان گوش کنید و به بیس لاین آنها توجه کنید. بیس و ریتم یک از ارکان اصلی لذت بردن از یک آهنگ هستند. همانند خانه در یک آهنگ نیز همه چیز بر اساس بیس یا پایه ساخته می شوند و از آن پیروی می کنند. 2. ساختار یک خانه بدون ساختار نمی تواند وجود داشته باشد این مسئله برای یک آهنگ نیز صدق می کند.حالا، این بدان معنی نیست که ساختار باید پیچیده یا ساده باشد، هرچند که می تواند باشد. بعضی از خانه ها مانند مکعب های متقارن کاملا متساوی هستند، در حالی که بعضی دیگر به صورت گسترده، نامتقارن و حتی نمایشی هستند. قبل از ساخت آهنگ از خودتان بپرسید که چه آهنگی وی خواهید بسازید؟ همچنین بخوانید » با Song Maker نرم افزار آهنگسازی بر پایه کروم آشنا شوید بیشتر آهنگ های پاپ ، ساختار بسیار ساده ای دارند. یک ورس وجود دارد، سپس یک کوروس، ورس دوم، و سپس یک کوروس دیگر. البته این ساختار می تواند متفاوت باشد. این ساختار به عنوان یک ساختار ABAB شناخته می شود، ورس “A” و کوروس “B”. گاهی وقتها bridge یا پل نیز از کوروس نهایی ممکن است اضافه شود که آن را نیز با حرف “c” نمایش می دهند. این یک فرمول ساده برای ساخت بسیاری از آهنگ ها است.. داشتن یک ساختار در ذهن، بدون در نظر گرفتن سادگی و پیچیدگی آن، یکی از بخش های مناسب برای شروع ساختن یک آهنگ است. 3. دیزاین داخلی، یا ملودی (و شعر) یک خانه ممکن است مستحکم باشد و از بیرون بسیار خوب به نظر برسد، اما چه چیزی داخل خانه است ؟ دکوراسیون داخلی خانه باعث زیبایی داخل آن می شود. همین امر برای موسیقی صدق می کند چیزی که باعث گیرا بودن و ماندگاری یک آهنگ می شود ملودی است. همچنین یک شعر خوب می تواند حتی یک ملودی را ماندگارتر و تاثیرش را عمیق تر کند. یک شعر خوب را میتوان روح یک آهنگ نامید. همچنین بخوانید » معرفی هنرمند ؛ توماس نیومن آهنگسازی با ۱۴ نامزدی اسکار ! اگر ایده ای برای نوشتن یک ملودی دارید، پس در حال حاضر بیشتر مسیر خود را برای نوشتن یک آهنگ عالی آماده کرده اید و یا اگر شما یک ایده برای نوشتن شعر دارید، می توانید یک ملودی را در اطراف ریتم و الگوهای این کلمات ایجاد کنید. هنگامی که نت ها و کلمات را در جای خود قرار دهید، می توانید بر اساس ملودی و شعر خود آکورد و بیس لاین مناسب را برای آهنگتان بنویسید. نتیجه نوشتن یک آهنگ همیشه پروسه آسانی نیست. به یاد داشتن این سه نکته کلیدی ، می تواند حداقل جایی خوب برای آغاز ساخت یک آهنگ باشد.

مواد مورد نیاز چیزی که ایده هایتان را ضبط کند مثل ضبط کننده کاست، ضبط کننده مینی دیسک و میکروفون داخلی در کامپیوترتان چیزی برای یادداشت برداری کردن از ترکیبتان مثل یک کاغذ موزیک ومداد و یا یک برنامه ی نوتیشن موزیک مثل Sibelius آماده سازی: به تعدادی از آهنگهای مورد علاقه تان گوش کنید و ببینید که آیا میتوانید بعضی از الگوهای مهم موسیقی را تشخیص دهید. آیا ریتم ملودی تکرار میشود؟ این آهنگ چه احساس و خلق و خویی در شما ایجاد میکند؟ آیا بخش های کنتراست در آن وجود دارد؟ چندتا؟ این بخش ها چقدر طول میکشند؟ و… گام اول: سبک تصمیم بگیرید که دوست دارید چه سبک موزیکی بنویسید، مثلا کلاسیک، راک، جاز یا فولک. در مورد گام موسیقی، ابزار و خلق و خو فکر کنید. برای گرفتن بعضی ایده ها، به تعدادی از قطعات موزیک انتخابیتان گوش کنید. این قطعه چه ترکیبی از عناصر موسیقیایی دارد که با آن رده متناظر است؟ بخش مورد علاقه تان چیست و چرا؟ مسیر اولیه تان را برای ترکیب مشخص کنید. آیا قطعه ی شما متن ترانه هم دارد؟ گام دوم: فرم در مورد فرم آهنگسازی تان تصمیم بگیرید. بیشتر ترکیب های موسیقی از قسمت های یکسان-بخش های تکراری- یا فرم های متفاوت از یکدیگر-قسمت ای متضاد- تشکیل میشوند. ترکیب شما چقدر طول میکشد؟ چند قسمت دارد؟ فراموش نکنید که هر سبک موسیقی، فرم های متداول خود را دارد. شما میتوانید به یکی از فرم های موجود بپیوندید یا اینکه فرم خود را بسازید. توجه: ساختار یک آهنگ انواع مختلفی داره که بر اساس تقسیم بندی می شه اون رو به ۵ دسته تقسیم کرد: Verse-Chorus-Bridge Verse-Chorus Verse-Lift-Chorus “AABA” Formula “AAA” Formula گام سوم: ایده هایتان را بسازید از ضبط کننده های صدا، کامپیوتر، مینی دیسک و… برای ضبط بعضی ایده هایتان استفاده کنید. از صدایتان استفاده کنید! ملودی های کوچک را بخوانید. اینکار را حداقل برای ۱۰ دقیقه انجام دهید. هر آهنگی که دوست دارید آزادانه بزنید و بخوانید، در این مرحله لازم نیست کامل یا آماده ی اجرا باشید. هیچ کس غیر از خود شما آن را نمیشنود.پس این را دنبال کنید ! گام چهارم: اولین موتیف موزیک -موتیف کوچک‌ترین واحد دارای مفهوم در موسیقی است-به صدای ضبط شده دوباره گوش کنید. آیا ایده ای به ذهنتان میرسد که موسیقیتان را گسترش دهید؟- به یاد داشته باشید که پیشرفت ملودی یاآکورد شما در این حال، طولانی یا پیچیده نیست. ببینید که میتوانید این را روی کاغذ یادداشت کنید. موتیف را با ابزار موسیقیتان بنوازید. Enlarge and Listen گام پنجم: موتیف را اصلاح کنید حالا به موتیف خود توجه کنید،میخواهید با آن چکار کنید؟ شما چند گزینه دارید: میتوانید آن را گسترش دهید، آنرا کوتاه کنید، آنرا به عقب برگردانید، آنرا تکرار کنید یا تغییرات جزئی و کلی در آن شکل دهید. با اینکار میتوانید یک عبارت موسیقی از موتیفتان ایجاد کنید. Enlarge and Listen Enlarge and Listen گام ششم: بخش کانتراست تقریبا در تمام سبک های موسیقی یک بخش کنتراست-متضادی- وجود دارد که با ارائه ی موارد جدید به گوش، به قطعه موسیقی هیجان میبخشد. برای نوشتن بخش متضاد، گام های ۴ و ۵ را تکرار کنید. به یک ریتم متفاوت فکر کنید و موتیف های اصلی را تکرار نکنید. آیا این بخش باعث حرکت و جنب و جوش در ملودی شما میشود یا حالت متفاوتی در شما ایجاد میکند؟ Enlarge and Listen گام هفتم: همه ی اینها را کنار هم قرار دهید و به هم متصل کنید در این قسمت از فرایند ترکیب، شما بخش هایی را ایجاد کردید، حال اینها را چگونه در قطعه ی خود تنظیم میکنید؟ به فرم اصلی خود فکر کنید. آیا چیزی که شما نوشته اید با مفهوم اولیه تان مطابقت دارد؟ آزادانه تغییرات خود را اعمال کنید. آیا قطعه شما کامل است یا لازم است یکی دیگه بنویسید؟ پایان قطعه چگونه است؟ دوست دارید که چه چیزی به آن اضافه کنید؟ آیا لازم است که یک بخش پیانو به آن اضافه کنید؟ آیا لازم است که یک بخش هارمونی برای ابزار یا خواننده متفاوت بنویسید؟ توجه کنید که لازم نیست تئوری خیلی زیادی در مورد نوشتن آکوردها در موسیقی بدانید.

میکس و مسترینگ ، در واقع دو قسمت مجزا در پروسه ضبط در استودیو میکس آهنگ و استودیو مسترینگ آهنگ ، تا انتشار آهنگ هستند ، که مطالب گسترده و پیچیده آن ، افراد زیادی را گیج می کند. حال اگر در حال ضبط و تهیه یک آلبوم موسیقی برای فروش هستید ،تفاوت میکس آهنگ با مسترینگ آهنگ را می دانید ؟ میکس آهنگ : میکس کردن ، ترکیب تمام چیزهایی ست که در استودیو میکس آهنگ برای پروژه ضبط کرده اید یا به صورت یک فایل Midi نوشته اید . همچنین کار هایی چون افکت گذاری ، EQ ، تنظیمات لاین ها و … از کارهای مهم در استودیو میکس آهنگ است . میکس ، جور کردن تکه های پازل بوده و در عین حال که قطعات را به هم متصل می کنید ، مطمئن شوید که همه چیز به هم به درستی وصل شده اند و در نهایت هم دستی به سر و روی آنچه ساخته اید، می کشید . بعد از اتمام میکس در استودیو میکس آهنگ، آهنگ باید حال و هوای خوبی داشته و باعث خشنود شدن شما از آن شود . مسترینگ آهنگ: مسترینگ در حقیقت بخشیدن شفافیت و درخشش به صداها می باشد . به طور ساده ، گوش دادن به موزیک بعد از مسترینگ نباید باعث به وجود آمدن حس انفجار در اسپیکر ها شود حتی در استودیو مسترینگ آهنگ!به عبارتی در استودیو مسترینگ آهنگ باید تنظیمات به نحوی انجام شود که سطح صداها با یکدیگر متعادل و در کل آهنگ حس گیرایی داشته باشد. در نظر داشته باشید ، در استودیو مسترینگ آهنگ و استودیو میکس آهنگ، مستریگ بحثی بسیار مبهم و سر بسته بوده و جدا از اصلاح تفاوت سطح صداها ، مستر کردن به طرزی باور نکردنی ، پروسه ای وابسته ای به علم در این زمینه است ! هم اکنون برنامه هایی جدا از پروسه ضبط در استودیو میکس آهنگ و استودیو مسترینگ آهنگ، وجود دارند که به شما کمک می کند ، خودتان مسترینگ کنید اما اگر برای ضبط و پخش آهنگ خوددر استودیو میکس آهنگ و استودیو مسترینگ آهنگ برنامه دارید ، خرج برای حرفه ای تر شدن این کار ، سرمایه گذاری خوبی ست . از ابتدا نیازی به حرفه ای بودن نیست اما باید سعی کنید حتی الامکان با میکس ، موسیقی خود در استودیو میکس آهنگ، آهنگ را برجسته تر کنید . پس انجام میکس صحیح امری ست که باید برای آن تلاش کنید . برخلاف مسترینگ ، میکس را در خانه نیز می توانید انجام داد . اما نیازمند به تمرین و زمان است ولی با کمی ممارست قابل دستیابی ست. اما بهتر است برای حرفه ای تر شدن نتیجه در استودیو مسترینگ آهنگ پروسه ضبط آهنگ خود را پیش ببرید. برای کسب اطلاعات بیشتر در زمینه میکس و مسترینگ آهنگ با استودیو میکس آهنگ و استودیو مسترینگ آهنگ شباهنگ رکورد تماس حاصل فرمایید.

– یک جلسه تمرین در چه صورتی می تواند موثر باشد بایستی به گونه ای باشد که اولا در آن تمرکز وجود داشته باشد دوم اینکه هدفمند باشد و نکته سوم اینکه وقت مناسبی داشته باشد. نوازنده باید بتواند تمرکز کند و حواس خود را جمع نوازندگی کند، کنترل بدنش را داشته باشد(طرز نشستن – طرز ساز دست گرفتن – فرم انگشت گذاری) برای ایجاد تمرکز بایستی Meditation کند و بوسیله خود هیپنوتیزم ذهن خود را در هنگام تمرین متمرکز نماید. یکسری اتودهای کوچکی هستند که نوازنده در ابتدا جهت دست گرمی میتواند انجام دهد ولی به استراحت بین تمرینها نیز بایستی توجه شود یعنی پس از ۱۰ دقیقه اتود زدن ۲ دقیقه استراحت داشته باشیم. استراحت در موسیقی بگونه ای است که دستها بصورت آویزان قرار می گیرد تا خون کاملا جریان پیدا کند. نوازنده برای موفق شدن باید ورزش کند تا همیشه بدنی آماده داشته باشد و دچار دردهای مزمن ستون فقرات و مفاصل نگردد. – میزان های یک قطعه را چگونه می شود تمرین کرد نظریه های زیادی در دنیا برای این کار داده شده است ولی اعتقاد ما این است که مثلا اگر نوازنده بخواهد در میزان دوم مشکلش را حل نماید (به شرطی که تکنیک خاصی نداشته باشد مثل یک پاساژ که باید جداگانه تمرین شود) بایستی از میزان اول دوباره تمرین را تکرار کرد وبرای میزان سوم نیز میزان اول ، دوم و سوم را تمرین نماییم. چنانچه در میزان دوم اشکالی وجود داشته باشد مجوز رفتن به میزان سوم را به خود ندهیم زیرا در این صورت به شکل یک دید کلی به قطعه نگاه خواهد شد و در کل یک قطعه اجرا می شود ولی در جزئیات آن اشکال وجود دارد.آموزشگاه موسیقی به بهبود روند تمرین ها بسیار کمک می کند. – عوامل گرفتن سرعت در نوازنده چیست و قطعات سرعتی را چگونه باید تمرین کرد قبل از هر چیز این را بگویم که یک نوازنده خوب حتما نوازنده ای نیست که سرعتش زیاد باشد. ۷ عامل نشان دهنده توانایی یک نوازنده می باشد که یکی از آنها سرعت است.از عوامل بالا بردن سرعت در نوازنده در درجه اول ورزش میباشد. بایستی بدن سالمی داشته باشد و هیچگونه اعتیادی به مواد مخدر و سیگار نداشته باشد.دارای تغذیه و خواب مناسبی باشد. حرکات ورزشی را فقط در حد آمادگی و قوی کردن عضلات انجام دهد و از فشار آوردن بیش از حد بپرهیزد.بعد نوبت به تمرین موسیقی می رسد مانند زدن اتودها و گامها به این صورت که از سرعت کم به زیاد و هر روز تمرین شود. در جلسات تمرین بخشی را به تمرینات سرعتی اختصاص دهیم زیرا سرعت به آرامی اتفاق می افتد و در طول سالها نوازندگی یک نوازنده سرعتی خواهد شد. – آیا اتود و قطعه را می توان با هم تمرین کرد معمولا برنامه مناسب تمرین موسیقی برنامه ای است که چندین اتود و چندین قطعه را با هم در طول روز تمریناتی که معمولا در آموزشگاه موسیقی انجام می شود، انجام داد ولی استراحت ۲ الی ۵ دقیقه بین آنها را رعایت کرد. اگر شما یک قطعه را تمرین کنید تکنیک شما رشد سرطانی پیدا می کند از یک جهت قوی می شود و از جهات دیگر فراموش خواهد شد. تمرین خوب تمرینی است که در بر گیرنده تمامی تکنیک هایی باشد که نوازنده در آن سطح به آن نیاز دارد شامل پاساژ ، گام ، اتود و … اگر نوازنده در سطح عالی و ممتاز باشد به اعتقاد بنده بایستی پس از تمرینات خشک موسیقی همه چیز را فراموش کرده و ذهن را آزاد بگذارد و حداقل یک ساعت بداهه نوازی کند تا اینکه این تمرینات و اتودها باعث انجماد ذهن و رشد نکردن قوه خلاقیت او نشود. آزمون و خطا ها به اندازه اتودها در نوازندگی مهم هستند. نوازندگانی که ساز آنها لهجه خاص خودشان را دارد کسانی هستند که اهل آزمون و خطا بوده و با سازشان زیاد پرواز کرده اند و کم کم شخصیت خود را پیدا نموده اند. – نظر شما در مورد ضبط کردن تمرینات از دست استاد اگر در ابتدای فراگیری موسیقی باشد من توصیه نمی کنم چون به نوعی تاثیر منفی خواهد گذاشت ولی اگر در حدی رسیده باشد که نوازندگی او قابل قبول باشد باید این اتفاق رخ دهد برای اینکه شاید مدرس به بعضی از چیزها اشاره نکند ولی به سبب وجود آن در پنجه هایش اجرا کند و دوم اینکه واقعا چیزهایی وجود دارد که نمی شود آن را ثبت کرد مانند فشار سیمها ، فشار مضراب و حالت های دیگر که فقط از طریق حس و گوش می شود دریافت کرد. – نظر شما در مورد ضبط کردن قطعه ای که هنرجو اجرا کرده و شنیدن مجدد آن اتفاق بسیار خوبی خواهد افتاد و می تواند خیلی موثر باشد. – برای حفظ کردن یک قطعه چکار باید کرد بایستی در ابتدا یک دید کلی به قطعه داشته باشیم یعنی در چه قسمت هایی ریتم ، مایه ، گوشه عوض خواهد شد و هنگامی که شناخت کلی پیدا کردیم برخورد جزئی داشته باشیم و اجزای قطعه را آنالیز کنیم مثلا این جمله فاصله پنجم آن هم تکرار شده که از همه اینها مهم تر تکرار زیاد عملی آن است. – برای ماندگاری قطعاتی که قبلا تمرین شده چکار باید کرد در برنامه ریزی که یک نوازنده دارد بایستی یک قطعه را هفته اول بطور مداوم اجرا نماید و در هفته بعد که قطعه جدیدی را تمرین می نماید حداقل ۱۰ بار قطعه قدیمی را اجرا نماید تا پس از یک ماه که دیگر تکرار آن یکبار در یک ماه کافی خواهد بود. – چه راهکار های ابتکاری پیشنهاد می کنید آنچه مهم است باید برنامه منظم تمرین داشته باشد ولی محل تمرین را عوض نماید و روی یک صندلی نا مناسب تر به اجرا بپردازدو دائما فضا و موقعیت را عوض نماید تا از نظر روانشناسی شرطی نشود و آمادگی هر گونه تغییری را در هنگام اجرا بر روی صحنه داشته باشد بعنوان مثال نوازندگان فلوت از یکماه مانده به اجرا سعی می کنند در همه حالات نوازندگی کنند(ایستاده، خوابیده،نشسته،در روشنایی،در تاریکی و …) و بدن خود را برای هر گونه تغییری آماده می سازند. – چه وقت یک قطعه را می توان برای اجرا مناسب دانست این تجربه شخصی من است که هر گاه یک نوازنده بتواند از ساز خودش لذت ببرد بداند که اگر روی صحنه برود موفق خواهدبود و اگر توانستید با ساز اشکهای خود را در بیاورید مطمئن شوید قادر خواهید بود بر روی صحنه اشک دیگران را هم در بیاورید. نوازنده ای که بخواهد با پاساژ زدن های سریع و تند زدن فقط به اصطلاح روی مخاطب را کم کند و خودش را به نوعی نشان بدهد قطعا در موسیقی محکوم به شکست خواهد بود و اثرش جاودانه نخواهد بود و لذتی ایجاد نمی کند.نوازنده ای که در یک کلام صداقت داشته باشد و با این قصد روی صحنه برود که با هر ابزاری که در اختیار دارد حال مخاطب را برای لحظاتی به حال خوش تبدیل کند و به دنبال اهداف مادی نباشد موفق خواهد بود. – تجربیات خود را برای رسیدن به شرایط ایده آل روحی قبل از اجرا بیان کنید من قبل از اجرا خود هیپنوتیزم می کنم و یک ساعت قبل از اجرا با هیچ کس حرف نمی زنم و سعی می کنم در شرایط گل و بلبل بسر برم معمولا در اجراها با مشکلات زیادی روبرو خواهیم بود ( گرفتن مجوز ، مشکلات صدا برداری ، نور و …) نوازنده بایستی فقط در فکر این باشد که رسالت خود را به انجام برساند و این احساس را نداشته باشد که می خواهد یک کار مکانیکی انجام دهد بلکه احساس کند در خانه خود می خواهد با مردم درد دل کند. من روی صحنه ابتدا به مخاطبان نگاه می کنم و خیلی وقتها شده برنامه ام را عوض کرده ام و منصرف شده ام از اجرای قطعه ای که شاید گل کارهایم بوده و احساس کرده ام حال مجلس این نیست و قطعه دیگری را اجرا کرده ام و این را بدون اغراق و ادعا می گویم که تا کنون حتی یک اجرای نا موفق نداشته ام و این را از تشویق مخاطب که نمره ای است برای نوازنده می شود تشخیص داد. تشویقی که از سر تکلیف باشد تا تشویقی که توانسته باشد بند بند وجود مخاطب را به هم بریزد کاملا متفاوت است.برای شروع اجرا در صحنه بایستی چشمها را بست و اولین مضراب نوازنده با اولین ضربان قلب مخاطب یکی باشد لحظه شروع اگر خوب نباشد تا آخر برنامه به خوبی پیش نخواهد رفت. اولین مضراب را من در لحظه ای می زنم که بدانم تمامی ذهنها متوقف شده و آماده شنیدن این مضراب هستند این لحظه خوبی خواهد بود و اگر توانستید مهار ذهن مخاطب را بگیرید تا آخر می توانید آنها را همراه خود داشته باشید. بی شک تمرین اساسی ترین عنصرسازنده هنرمندان است و بزرگترین نقش را خصوصآ برای به اوج رساندن نوازندگان ایفا می کند.

آموزش فن یا تکنیک آوازخوانی فن یا تکنیک آواز خوانی به تسلط بر تنفس صحیح، داشتن حنجره ای کاملا آزاد ، قدرت به کارگیری آگاهانه حفره های تشدید صوت، مهارت در تلفظ دقیق کلمات و چالاکی عضلات مربوط به آن و رابطۀ آنها با تنفس و قدرت شنوایی دقیق اصوات و ادای صحیح آنها گفته می شود که در دوره های آموزشگاه موسیقی به هنرجویان آموزش داده می شود. تکنیک آواز عبارت است از تسلط بر فن آوازخوانی ودر مورد هنرمند آوازخوان به کارگیری این فن برای بیان احساسات نهفته در یک آواز و به گونه ای آفرینش دوبارۀ آن هنگام خواندن. از تعریف بالا می‌توان نتیجه گرفت پرورش خواندن عبارت است از انجام دادن تمرینهایی هدفمند، جدا از یادگیری یک ترانه یا گوشه های یک دستگاه یا تصنیف برای فراگیری تنفس صحیح، آزادسازی صدا از هر گونه تنش بازدارنده، تقویت کردن و تحرک بخشیدن به عضلات مربوط به گفتار ، پرورش شنیدن صحیح اصوات و ادای دقیق و تمیز آنها.

6 نکته درباره ضبط صدا در استودیو موسیقی 1-ساعات بین ظهر تا عصر را برای ضبط صدا اختصاص دهید. چرا که در زمان صبح حنجره و صدای شما به صورت کامل باز نشده اند. 2-برای خواندن خود و اجرای تکنیک هایی از قبیل ویبره یا تحریر و ….برنامه داشته باشید و هدف خود را برای اجرای هر ثانیه ی کار بدانید و مطمئن بخوانید. 3-از خوردن هرگونه نوشیدنی های کافئین دار مانند قهوه و کافه قبل از ضبط پرهیز کنید. 4-قبل از خواندن به هیچ عنوان سیکار و یا قلیان نکشید. 5-اولین رکورد را به گرم کردن و آماده شدن صدایتان اختصاص دهید و بعد از یک مرتبه خواندن میتوانید ضبط اصلی را شروع کنید و در چندین لاین ضبط را انجام دهید.البته اگر قبل از اجرا صدای خود را گرم کرده اید نیازی به گرم کردن دوباره ی صدا نیست و از همان بار اول میتوانید وکال اصلی را ضبط کنید. 6-اگر در طول روز مشغول به کار هستید ,سعی کنید یک روز تعطیل را به ضبط اختصاص دهید تا صدایی سر حال و کاملا شاداب و به دور از خستگی داشته باشید.

ساخت یک آهنگ خوب، زنده و جالب هدف هر موزیسین و آهنگسازی است. با این حال، قبل از اینکه شما نگران تولید یک آهنگ خوب باشید باید ابتدا اصول اولیه آهنگسازی را بدانید تا بتوانید اقدام به ساخت و نوشتن یک آهنگ جذاب و زیبا کنید. در این مطلب ۳ گام اساسی در آهنگسازی را برای شما شرح می دهیم. یک روش ساده برای نگاه کردن به یک آهنگ این است که آن را همانند یک خانه تصور کنید. ظاهر هر خانه ای متفاوت است، اما تمام خانه ها سه بخش کلیدی دارند: پایه، ساختار و دیزاین داخلی. مانند یک خانه، هر آهنگی نیز این سه ویژگی اصلی را دارد. اگر میخواهید یک آهنگ بنویسید و نمی دانید از کجا باید شروع کنید، این قیاس ممکن است به شما کمک کند. هر یک از این سه بخش، قسمت های مناسبی برای شروع یک آهنگ هستند. همچنین بخوانید » بهترین اپلیکیشن های آهنگسازی آیفون و آیپد ۱. نوشتن یک آهنگ: پایه اگر از مقیاس خانه برای آهنگسازی استفاده کنیم، می توانیم پایه و اساس خانه را با بیس لاین یا آکورد اصلی آهنگ مقایسه کنیم. نوت پایه و یا آکورد در اصل ریشه یک آهنگ هستند، همانطور که پایه و اساس یک ساختمان ریشه آن است. شروع با بخش بیس آهنگ یک راه عالی برای ایجاد مود و احساس برای آهنگ است. اگر ریتم قوی باشد، شانس خوبی وجود دارد تا بقیه آهنگ نیز جالب شود. برای ایده گرفتن می توانید به آهنگ های مورد علاقه تان گوش کنید و به بیس لاین آنها توجه کنید. بیس و ریتم یک از ارکان اصلی لذت بردن از یک آهنگ هستند. همانند خانه در یک آهنگ نیز همه چیز بر اساس بیس یا پایه ساخته می شوند و از آن پیروی می کنند. ۲. ساختار یک خانه بدون ساختار نمی تواند وجود داشته باشد این مسئله برای یک آهنگ نیز صدق می کند.حالا، این بدان معنی نیست که ساختار باید پیچیده یا ساده باشد، هرچند که می تواند باشد. بعضی از خانه ها مانند مکعب های متقارن کاملا متساوی هستند، در حالی که بعضی دیگر به صورت گسترده، نامتقارن و حتی نمایشی هستند. قبل از ساخت آهنگ از خودتان بپرسید که چه آهنگی وی خواهید بسازید؟ همچنین بخوانید » با Song Maker نرم افزار آهنگسازی بر پایه کروم آشنا شوید بیشتر آهنگ های پاپ ، ساختار بسیار ساده ای دارند. یک ورس وجود دارد، سپس یک کوروس، ورس دوم، و سپس یک کوروس دیگر. البته این ساختار می تواند متفاوت باشد. این ساختار به عنوان یک ساختار ABAB شناخته می شود، ورس “A” و کوروس “B”. گاهی وقتها bridge یا پل نیز از کوروس نهایی ممکن است اضافه شود که آن را نیز با حرف “c” نمایش می دهند. این یک فرمول ساده برای ساخت بسیاری از آهنگ ها است.. داشتن یک ساختار در ذهن، بدون در نظر گرفتن سادگی و پیچیدگی آن، یکی از بخش های مناسب برای شروع ساختن یک آهنگ است. ۳. دیزاین داخلی، یا ملودی (و شعر) یک خانه ممکن است مستحکم باشد و از بیرون بسیار خوب به نظر برسد، اما چه چیزی داخل خانه است ؟ دکوراسیون داخلی خانه باعث زیبایی داخل آن می شود. همین امر برای موسیقی صدق می کند چیزی که باعث گیرا بودن و ماندگاری یک آهنگ می شود ملودی است. همچنین یک شعر خوب می تواند حتی یک ملودی را ماندگارتر و تاثیرش را عمیق تر کند. یک شعر خوب را میتوان روح یک آهنگ نامید. همچنین بخوانید » معرفی هنرمند ؛ توماس نیومن آهنگسازی با ۱۴ نامزدی اسکار ! اگر ایده ای برای نوشتن یک ملودی دارید، پس در حال حاضر بیشتر مسیر خود را برای نوشتن یک آهنگ عالی آماده کرده اید و یا اگر شما یک ایده برای نوشتن شعر دارید، می توانید یک ملودی را در اطراف ریتم و الگوهای این کلمات ایجاد کنید. هنگامی که نت ها و کلمات را در جای خود قرار دهید، می توانید بر اساس ملودی و شعر خود آکورد و بیس لاین مناسب را برای آهنگتان بنویسید. نتیجه نوشتن یک آهنگ همیشه پروسه آسانی نیست. به یاد داشتن این سه نکته کلیدی ، می تواند حداقل جایی خوب برای آغاز ساخت یک آهنگ باشد.